Co-herencia

Presentación. Número temático de musicología

From the Canon to the Community: Epistemology, Power, and Alternatives in Latin American Music Research

Resumen Este ensayo reflexiona sobre el lugar de las artes y la investigación musical en la academia contemporánea, a partir del cuestionamiento de los modelos hegemónicos de la musicología global, derivados del positivismo eurocéntrico y de las corrientes anglosajonas. A pesar de su significativa contribución, estos marcos también reproducen asimetrías de poder y dinámicas de tokenismo, en las que la producción de nuevo conocimiento que se origina en el sur global se integra solo en la forma y, con frecuencia, se le relega a un mero proveedor de datos. Ante este dilema, este ensayo propone una deriva latinoamericana que continúe con el legado de pioneros como Carlos Vega, Argeliers León e Isabel Aretz, reivindicando la posibilidad de entender y plantear la investigación musical producida desde la región y, por extensión, en el sur global, como una transdisciplina que ofrece perspectivas capaces de interpelar los fundamentos epistémicos y ontológicos establecidos hegemónicamente desde el norte global. Dicho cambio en las perspectivas de la investigación musical y la consecuente oportunidad de descentralizar el campo resultan especialmente relevantes en el contexto de la “crisis de la academia”, marcada por la privatización corporativa y la imposición de métricas de mercado en las humanidades. Así, ante esta crisis se propone la alternativa de transitar hacia la producción de conocimiento situado y colaborativo, redefiniendo el rigor científico en función de su relevancia social y de los diálogos que este puede facilitar entre la academia y actores ajenos a ella.

Abstract This essay examines the place of arts and music re-search within the contemporary academy through a critique of hegemonic models of global musicology grounded in Eurocentric positivism and Anglo-American intellectual traditions. Although these frameworks have contributed significantly to the field, they also reproduce asymmetrical power relations that position knowledge produced in the Global South as peripheral and primarily extractive. In response, the essay proposes a “Latin American turn” that builds upon the work of Carlos Vega, Argeliers León, and Isabel Aretz. It argues for understanding music research in Latin America, and more broadly in the Global South, as a transdisciplinary practice capable of challenging the epistemic and ontological assumptions established by the Global North. This perspective becomes especially urgent within the contemporary crisis of the academy, characterized by privatization and the growing dominance of market-driven metrics in the humanities. The essay ultimately advocates for situated and collaborative forms of knowledge production that redefine scientific rigor through social relevance and sustained dialogue between academic and nonacademic actors.

Total Theater or the Pursuit of Musical Modernity in Colombia in the Mid-20th Century

Resumen Este artículo examina la convergencia de las corrientes artísticas modernas en Colombia a mediados del siglo XX, centrándose en la ópera Los hampones, reconocida como la única obra representativa del teatro total colombiano. Compuesta por Luis Antonio Escobar con libreto de Jorge Gaitán Durán, la ópera sintetiza las tendencias estéticas más relevantes de la época, en un contexto donde la cultura nacional buscaba consolidar su vínculo con el modernismo internacional. Estrenada en 1961, la obra se destaca por su innovación estética y su capacidad para fomentar el diálogo crítico; sin embargo, este trabajo compositivo cayó en el olvido prácticamente desde su estreno, pasando desapercibido para la musicología colombiana. Este estudio constituye la primera aproximación académica a la pieza, cuyo análisis musical revela un lenguaje compositivo ambicioso definido por armonías vanguardistas, timbres distintivos, texturas dinámicas y técnicas rítmicas poco convencionales. Estos elementos logran reflejar con precisión la tensión e introspección de los personajes, enmarcando la obra en un paisaje musical propio del modernismo sonoro del siglo XX. De este modo, el artículo reivindica una creación fundamental que, a pesar de su temprana desaparición del canon interpretativo, representa un hito de sofisticación técnica y vanguardia en la historia de la música académica en Colombia.

Abstract This article examines the convergence of modern artistic trends in Colombia during the mid-twentieth century, focusing on the opera Los hampones, recognized as the sole representative work of Colombian Total Theatre (teatro total). Composed by Luis Antonio Escobar based on a text by Jorge Gaitán Durán, the opera synthesizes the most relevant aesthetic tendencies of the period, within a context in which Colombian national culture sought to consolidate its links with international modernism. Premiered in 1961, the work stands out for its aesthetic innovation and its capacity to foster critical dialogue; however, this compositional project fell into oblivion almost after its premiere, remaining overlooked by Colombian musicology. This study constitutes the first academic approach to the piece, whose musical analysis reveals an ambitious compositional language defined by avant-garde harmonies, distinctive timbres, dynamic textures, and unconventional rhythmic techniques. These elements accurately reflect the tension and introspection of the characters, framing the work within a musical landscape characteristic of twentieth-century sonic modernism. Consequently, the article reasserts the significance of a fundamental creation that, despite its early disappearance from the performance canon, represents a milestone of technical sophistication and vanguardism in the history of Colombian academic music.

The Music-Making Subject as Sonic Subject-Territory: An Epistemological Approach from Musical Experience

Resumen Este artículo propone una comprensión del sujeto musicante como sujeto-territorio sonoro, entendiendo la experiencia musical como un espacio desde el cual se configuran formas de pertenencia, memoria y conocimiento. Se plantea que el territorio sonoro no se constituye únicamente como un espacio geográfico fijo, sino como una construcción relacional, afectiva y performativa que emerge de la experiencia musical, las trayectorias de vida y los procesos de transmisión cultural. Desde esta perspectiva, se cuestionan las cartografías institucionales de la música y el paradigma folclórico-esencialista que ha tendido a fijar las prácticas musicales en identidades estáticas y jerarquías culturales. En contraste, el artículo propone una lectura del sujeto musicante como agente que produce sentido, configura territorios y resignifica las prácticas musicales desde su experiencia situada. Como contribución, se plantea la noción de sujeto-territorio como una categoría analítica y una posición epistemológica que permite repensar las formas de legitimación del conocimiento musical, abriendo la discusión hacia una pluralidad de saberes en el campo musical contemporáneo.

Abstract This article proposes a conceptualization of the musicante (the music-making subject) as a "sonic subject-territory," viewing musical experience as a space through which forms of belonging, memory, and knowledge are configured. It argues that sonic territory is not merely a fixed geographical space but a relational, affective, and performative construct that emerges from musical experience, life trajectories, and processes of cultural transmission. From this perspective, the study challenges institutional cartographies of music and the folkloric-essentialist paradigm, which has historically reified musical practices into static identities and cultural hierarchies. In contrast, the article posits the music-making subject as an agent of meaning who constructs territories and resignifies musical practices through situated experience. As its primary contribution, the notion of the "subject-territory" is presented as both an analytical category and an epistemological proposal. This framework invites a rethinking of the legitimation of musical knowledge, opening the discourse toward a plurality of knowledges within the contemporary musical field.

The Layers of Music, the Case of the Alabaos

Resumen Este artículo plantea que la música es más que un fenómeno físico-acústico, más que un conjunto de cuerpos sonoros; encierra múltiples esencias, saberes y sabores que dotan de sentido su influencia en la comunidad que la utiliza y se expresa a través de ella. Para desarrollar esta idea, se toma como referencia el alabao, canto ritual del Pacífico colombiano, especialmente observado en la cuenca del río Atrato, a partir de tres elementos fundamentales: la persona, la cotidianidad (en un territorio específico) y la música. Así mismo, se enfatiza en la perspectiva de que investigar la música no se limita únicamente a lo que se percibe con el oído.

Abstract This article proposes that music is more than a physical-acoustic phenomenon, more than a set of sound bodies; it encompasses multiple essences, knowledge and flavors that give meaning to its influence on the community that uses it and expresses itself through it. To develop this idea, it takes as its reference the alabao, a ritual chant from the Colombian Pacific, especially observed in the Atrato River basin, based on three fundamental elements: the person, everyday life (in a specific territory), and music. It also emphasizes on the perspective that researching music is not limited solely to what is perceived with the ear.

Nostalgia for a Narrative: The 100 Most Beautiful Songs of Colombia. Canon, Nostalgia, and Hegemony in Colombian Popular Music

Resumen Una de las personas más influyentes en la historia de la música popular colombiana del siglo fue Hernán Restrepo Duque, folclorista, ejecutivo de la industria discográfica, y autor de textos como A mí cánteme un bambuco (1986) o Lo que cuentan las canciones (1971). En 1991, a raíz de un evento que tuvo mucho cubrimiento mediático, Restrepo publicó un texto titulado Las cien mejores canciones de la música colombiana y sus autores. Allí se presenta un listado de canciones que fue la base para la colección de cinco que tuvieron una gran influencia en la definición de un canon de la música popular colombiana y han servido como punto de partida para revisiones influyentes sobre el tema. Este artículo presenta un análisis de estas canciones con el fin de mostrar que su selección, por un lado, reproduce un relato de nación que había sido hegemónico desde el siglo -en especial en la región andina-; pero, por otro lado, por el momento de su aparición, constituye también una resistencia a la forma en la que dicho relato estaba entrando en crisis a finales del siglo. El hecho de que la canonización de estas canciones coincida en el mismo año con la promulgación de una nueva Constitución política abre la puerta para examinar de qué manera las expresiones culturales pueden acompañar, pero también resistir procesos socio-políticos, no solo desde su adecuación al discurso o a lo pedagógico, sino también desde diferentes formas de narrar, es decir, de darle vida a un relato a través de formas intermediales de construcción de cultura.

Abstract One of the most influential figures in the history of 20th-century Colombian popular music was Hernán Restrepo Duque-a folklorist, record industry executive, and author of works such as A mí cánteme un bambuco (1986) and Lo que cuentan las canciones (1971). In 1991, following a high-profile media event, Restrepo published Las cien mejores canciones de la música colombiana y sus autores. This publication presented a song list that served as the foundation for a five- collection, which significantly influenced the definition of a Colombian popular music canon and has acted as a benchmark for subsequent revisions on the subject. This article analyzes these songs to demonstrate that their selection, on the one hand, reproduces a national narrative that had been hegemonic since the 19th century-particularly centered in the Andean region. On the other hand, due to the timing of its release, it also represents a form of resistance to the crisis this narrative faced at the end of the 20th century. The fact that the canonization of these songs coincided with the promulgation of the 1991 Political Constitution allows for an examination of how cultural expressions can both accompany and resist socio-political processes, not only through discursive or pedagogical alignment but also through diverse modes of storytelling-namely, giving life to a narrative through intermedial forms of cultural construction.

Authorial Intention, Social Memory, and Intermedial Tensions in "Miño" by Los Bunkers

Resumen El éxito de Los Bunkers, "Miño", está inspirado en la historia de Eduardo Miño, exfuncionario de la industria Pizarreño de Maipú, Chile, quien en 2001 se inmoló frente al Palacio de La Moneda para visibilizar los efectos de la asbestosis. Según Mauricio Durán (2023), integrante de la banda, la canción busca reflejar el sentimiento de abandono experimentado por Miño, evitando una evocación de lástima y enfatizando, en cambio, la necesidad de apoyo mutuo entre las personas. No obstante, un análisis inicial sugiere que esta intención autoral no se manifiesta de manera evidente debido a la aparente desconexión entre las distintas intermedialidades de la obra: letra, música y videoclip. La letra no proporciona detalles biográficos precisos sobre Miño, la melodía de estilo pop-rock adopta un tono festivo en lugar de conmemorativo, y el videoclip muestra a los integrantes de la banda viajando en una micro amarilla por Santiago de Chile, sin una referencia explícita al contexto de la canción. A partir de esta observación, y a través de un análisis pormenorizado de cada una de estas intermedialidades, el presente artículo propone que un enfoque integrado y holístico sería la estrategia ideal para corroborar la intención autorial, además de resignificar la trascendencia de la canción.

Abstract The hit song "Miño" by the Chilean band Los Bunkers is inspired by the story of Eduardo Miño, a former worker at the Pizarreño plant in Maipú, Chile, who in 2001 immolated himself in front of the Palacio de La Moneda to bring visibility to the victims of asbestosis. According to band member Mauricio Durán (2023), the song seeks to reflect the sense of abandonment experienced by Miño, eschewing an evocation of pity in favor of emphasizing the need for mutual social support. However, a preliminary analysis suggests that this authorial intent is not immediately evident due to the apparent disconnection between the work's different intermedial elements: lyrics, music, and video. The lyrics omit precise biographical details regarding Miño, the pop-rock melody adopts a festive rather than commemorative tone, and the video depicts the band members traveling on a yellow bus through Santiago de Chile, without an explicit reference to the song's tragic context. Based on these observations, and through a detailed analysis of each intermedial dimension, this article argues that an integrated and holistic approach would work best to both corroborate the authorial intent and reframe the song's significance.

John Williams’ rhetorical strategy in film. The use of the leitmotif as a musical ethopoeia

Resumen El leitmotiv es una herramienta fundamental en la retórica cinematográfica del compositor John Williams, que da voz e identidad a personajes, lugares e incluso elementos abstractos. Este artículo presenta tres casos de estudio que lo analizan en su funcionamiento como reflejo del carácter, la índole y las costumbres de los personajes mostrados en pantalla. Por ello, partimos de la idea de etopeya musical, que proponemos como concepto y subcategoría específica de dicho leitmotiv. Nuestro marco teórico se nutre de los estudios sobre el leitmotiv musical en el cine, la retórica aristotélica y el método iconológico de Panofsky. Este último se aplica como estructura metodológica para el análisis de las características musicales, la presencia del leitmotiv en el discurso audiovisual y la interpretación final de los signos audio-visuales. Todo ello para argumentar la presencia de la etopeya musical en los personajes cinematográficos musicalizados por Williams.

Abstract The leitmotif constitutes a fundamental device in the cinematic rhetoric of composer John Williams, providing voice and identity to characters, locations, and even abstract entities. This article presents three case studies that examine its function as a reflection of the disposition, temperament, and behavioral traits of the figures depicted on screen. To this end, the study introduces the concept of musical ethopoeia, proposed here as a specific subcategory of the leitmotif. The theoretical framework draws from studies on the musical leitmotifs in film, Aristotelian rhetoric, and Panofsky’s iconological method. The latter is employed as a methodological structure to analyze musical characteristics, the presence of the leitmotif within the audiovisual discourse, and the final interpretation of audiovisual signs. Ultimately, these elements serve to argue for the presence of musical ethopoeia in the cinematic characters scored by Williams.

Listening to Music in the Age of Distraction

Resumen En una época tecnologizada dominada por la distracción, escuchar música puede ser un acto revolucionario en lo más cotidiano. Así, en primer lugar, propongo reivindicar la forma musical y la capacidad de escucha como vectores de humanidad y fortalecimiento de los vínculos sociales. Es a esta vertiente a la que se refiere el concepto de resonancia de Hartmut Rosa, como remedio a la alienación y la aceleración que desembocan y tienen su origen en la distracción. En segunda instancia advierto las derivas de indiferencia y dispersión propias del digitalismo y uno de sus dispositivos clave, el teléfono inteligente, en cuanto pueden ser agentes de distracción e incapacitar para la escucha de música, en el sentido más humanista del término. En consonancia con el objeto de reflexión, el artículo es manifiestamente ensayístico y en cierto modo literario y poético, así como crítico en lo que concierne al sistema tecnológico digital.

Abstract In a technological age dominated by distraction, the act of listening to music emerges as a revolutionary act within the sphere of everyday life. Accordingly, in this text I propose, first, the urgency of reclaiming music and the ability for listening as vectors of humanity and the strengthening of social bonds. This perspective aligns with Hartmut Rosa’s concept of resonance, proposed as a remedy for the alienation and acceleration that both stem from and culminate in distraction. Secondly, I warn of the drifts toward indifference and dispersion characteristic of digitalism and one of its key devices, the smartphones, insofar as they act as agents of distraction that impair the capacity for musical listening in the most humanistic sense of the term. In line with the subject of reflection, the article is overtly essayistic -at times literary and poetic- while maintaining a critical stance toward the digital technological system.

The Harmony Method of Mexican Musician Juan B. Fuentes. A Four-Rule Paradigm (1910-1920)

Resumen El propósito de la presente investigación es rescatar y difundir el Método de armonía del músico mexicano Juan B. Fuentes, quien formuló cuatro reglas para enlazar acordes de tres, cuatro y cinco sonidos, enmarcadas dentro de una perspectiva estilística del Romanticismo. Este estudio reviste importancia debido a la formación musical y profesional de Fuentes en Francia, así como a su desarrollo en México como compositor, pedagogo musical y funcionario público. Entre sus alumnos se destacaron Carlos Chávez y Silvestre Revueltas en la Ciudad de México, además de Ignacio Mier Arriaga y J. Encarnación López en Michoacán. La metodología utilizada abarcó la revisión, el análisis y la interpretación de archivos y publicaciones provenientes de sus alumnos, conservados en instituciones académicas. Los resultados obtenidos fueron satisfactorios e incluyen anotaciones del método redactadas a máquina por el propio Fuentes, así como el método en su totalidad. Asimismo, se localizó una de sus composiciones titulada En la Capilla (1938), cuya primera frase se analizó siguiendo las directrices del método. Finalmente, se llevó a cabo una edición de esta obra para cuarteto de cuerdas y se publicó una grabación de dicha versión en YouTube para su acceso en línea.

Abstract The aim of this research is to recover and disseminate the Harmony Method (Método de armonía) by Mexican musician Juan B. Fuentes, who formulated four specific rules for chord connection of three-, four-, and five-note sonorities within a Romantic stylistic framework. This study is significant due to Fuentes’ academic and professional training in France, as well as his multifaceted career in Mexico as a composer, music educator, and public official. His influence is evidenced by his notable students, including Carlos Chávez and Silvestre Revueltas in Mexico City, and Ignacio Mier Arriaga and J. Encarnación López in Michoacán. The methodology employed involved the systematic review, analysis, and interpretation of archival materials and publications from his disciples, preserved in various academic institutions. The findings include original typewritten notes by Fuentes and the reconstruction of the method in its entirety. Furthermore, the study identifies his composition En la Capilla (1938), providing an analysis of its opening phrase based on the method’s guidelines. Finally, a new edition of this work for string quartet was prepared, and a recording was published on YouTube to ensure digital accessibility.

Tonality. Phenomenon, concept, and history

Resumen Todo esfuerzo de historización del “sistema tonal”, cuyo lenguaje armónico rige de forma hegemónica la música desde el siglo XVII, corre el riesgo constante de proyectar sobre el pasado lo que la “tonalidad” significa para el historiador. Aun cuando desde finales de la década de 1960 la musicología se ha cuidado de no transferir anacrónicamente nuestro conocimiento técnico contemporáneo, se sigue colando de todos modos un anacronismo espontáneo por el cual se proyectan el significado y la existencia misma del concepto de tonalidad, incurriendo distorsiones en la lectura histórica tanto del fenómeno como de su comprensión. El presente artículo introduce y propone la metodología de la “historia conceptual” (Begriffsgeschichte) desarrollada por Reinhart Koselleck alrededor de 1970, reseñando sus postulados principales e ilustrando el potencial de su aplicación a la historia de la tonalidad.

Abstract Any attempt to historicize the “tonal system”, whose harmonic language has dominated music since the seventeenth century, runs the constant risk of projecting onto the past what “tonality” means to the modern historian. Even though since the late 1960s musicology has been careful to avoid the anachronistic transfer of contemporary technical knowledge, a form of spontaneous anachronism still creeps in. This occur when the meaning and the very existence of the concept of tonality are projected backward, resulting in distortions in the historical reading of both the phenomenon and its understanding. This article introduces and proposes the methodology of “conceptual history” (Begriffsgeschichte) developed by Reinhart Koselleck circa 1970, outlining its main postulates and illustrating the potential of its application to the history of tonality.

On the Historical Origin of Polyphony in Ernst Bloch’s The Spirit of Utopia

Resumen Este artículo elabora una introducción general a la filosofía de la música de Ernst Bloch en El espíritu de la utopía para demostrar la falsedad de dos de sus principales convicciones sobre la historia de la música, presentes a lo largo de su obra: (1) que la polifonía es un fenómeno exclusivamente europeo inventado durante la Edad Media y ausente en las demás culturas; (2) que la polifonía es históricamente posterior a la monodia. Afirmamos que se trata más bien de lo contrario: la polifonía es abundante en las músicas del mundo y es anterior a la monodia. Por último, se busca extraer las consecuencias de este descubrimiento en la teoría de la subjetividad sobre la que se asienta la filosofía de Bloch, y se postula a la vez la necesidad de complementar su idea del arte como expresión de la interioridad con la idea opuesta del arte como escucha del proceso del mundo y captura emotiva de la realidad.

Abstract This article provides a general introduction to Ernst Bloch’s philosophy of music within The Spirit of Utopia (Geist der Utopie) to demonstrate the falsity of two of his central convictions regarding music history: (1) that polyphony is an exclusively European phenomenon, emergent during the Middle Ages and absent in other cultures; and (2) that polyphony is historically subsequent to monody. The author argues to the contrary: polyphony is prevalent across world musics and predates monody. Finally, the study examines the implications of this finding for the theory of subjectivity that underpins Bloch’s philosophy, postulating the need to complement his notion of art as an expression of interiority with the opposing concept of art as a process of listening to the world and an emotional capture of reality.

Ontogeny of the Spanish Copla: Rereading a Myth and the Female Transgression during the Franco Regime

Resumen En el franquismo, la copla y sus protagonistas transmitieron los principios del régimen a la sociedad del momento, pero también otros que la dictadura no pudo controlar. Este trabajo estudia la dicotomía entre lo normativo y contranormativo en la ontogenia de la copla española, a través del análisis de una selección del repertorio de Concha Piquer y Juana Reina, cuyas trayectorias vitales y profesionales sirven de marco contextual en el estudio. Los resultados revisan diferentes rasgos que la literatura científica y el saber popular han asignado a este patrimonio, examinados aquí, por primera vez, a la luz del análisis musical.

Abstract During the Franco regime, the copla and its leading figures transmitted the principles of the regime to society, yet they also disseminated subversive elements that the dictatorship could not fully control. This study examines the dichotomy between the normative and the counter-normative within the ontogeny of the Spanish copla through the analysis of a selected repertoire from Concha Piquer and Juana Reina, whose life and professional trajectories provide the contextual framework for this research. The findings review various traits historically assigned to this cultural heritage by scientific literature and popular knowledge, examining them here, for the first time, through the lens of musical analysis.

Vanitas and Memento Mori in The Tree of Life, by Ignacio de Ries (1653): Visual Models, Organology, and Musical Iconography

Resumen Algunas obras de arte acogen la presencia de instrumentos musicales que, además de aportar un valor organológico, conforman un relato simbólico en su lectura junto al resto de los elementos representados, también en aquellos vestigios vinculados a la muerte como temática. De acuerdo con esta realidad, se presenta un estudio de la pintura El árbol de la vida, de Ignacio de Ríes (1612-1661), albergada en la catedral de Segovia (España), desde la organología y la iconografía musical. Para desarrollar esta investigación artística y musical, se aborda una metodología cualitativa basada en el acceso a fuentes primarias-obras pictóricas y tratados musicales de la época- y en la revisión bibliográfica de fuentes secundarias. El trabajo demuestra que, en ciertas obras plásticas, los instrumentos musicales aportan un valor simbólico en relación con la vanidad de los placeres, siendo parte de la dicotomía humana entre el carpe diem y la búsqueda de la vida eterna.

Abstract Certain artworks incorporate musical instruments that, beyond their inherent organological value, construct a symbolic narrative when interpreted alongside other depicted elements, particularly in themes related to death. Considering this fact, this article examines the painting The Tree of Life (1653) by Ignacio de Ries (1612-1661), housed in the Cathedral of Segovia (Spain), from the perspectives of organology and musical iconography. To conduct this interdisciplinary research, a qualitative methodology was employed, based on the analysis of primary sources-including period paintings and musical treatises-and a bibliographic review of secondary literature. The results demonstrate that, in specific visual works, musical instruments and sound representations provide symbolic value regarding the vanity of earthly pleasures, functioning as a core element of the human dichotomy between carpe diem and the pursuit of eternal life.

Una calavera excepcional en tierra baldía. Armas y letras de la colonización en siglo XIX colombiano, de Alfonso Rubio (2024), Universidad Nacional de Colombia, Colección Folios, 430 p.

Discursos sobre la paz y la reconciliación en Colombia (1861-1864). La búsqueda del sosiego público, Pedro Alcántara Herrán, José Hilario López y Cerbeleón Pinzón (2024, L. M. López Lopera, P. Cardona Zuluaga y M. A. Alonso Espinal, Eds.), Universidad EAFIT, 272 p.