Pensamiento palabra y obra

Editorial

Musical Didactics between the First and the Third Person: Towards a Second Person Perspective in the Education of Professional Musicians

Resumen En este trabajo nos proponemos discutir algunas cuestiones ontológicas y epistemológicas de la enseñanza musical que muestran los paradigmas predominantes de la formación musical a nivel superior, para proponer una nueva perspectiva didáctica con base en las tesis de la cognición musical corporeizada, que considera el tránsito desde el solipsismo hacia la intersubjetividad. El texto está organizado en tres partes: en la primera se aborda críticamente la cuestión ontológica de la enseñanza tradicional de la música; en la segunda se desarrolla el argumento del cambio epistemológico en la formación musical; y en la tercera se proponen algunos aportes de nuevas formas de asumir la educación musical, en las que se incluye una nueva concepción de sujeto y su relación con los otros como parte fundamental del proceso de aprendizaje.

Abstract In this work we aim to discuss some ontological and epistemological problems of musical education that show the predominant paradigms of music training at a higher level, in order to propose a new didactic perspective based on the thesis of embodied music cognition, which considers the transit from solipsism to intersubjectivity. The paper is organized in three parts: in the first part, we approach the ontological question of the traditional teaching of music from a critical point of view; in the second part, we develop the argument of the epistemological change in music education; and in the third part, we propose some contributions of other ways of assuming musical education, including a new conception of the subject and its relationship with others, as a fundamental part of the learning process.

Resumo Neste trabalho visamos discutir algumas questões ontológicas e epistemológicas do ensino musical que evidenciam os paradigmas predominantes da formação musical a nível superior, para propor uma nova perspectiva didática com base na tese da cognição musical corporizada, que considera o trânsito de o solipsismo à intersubjetividade. O texto está organizado em três partes: na primeira, aborda-se criticamente a questão ontológica do ensino tradicional da música; na segunda, desenvolve-se o argumento da mudança epistemológica na formação musical; e na terceira são propostas algumas contribuições de novas formas de assumir a educação musical, nas que é incluída uma nova concepção do sujeito e sua relação com os outros como parte fundamental do processo de aprendizagem.

They Will Shine Like Diamonds. A Buddhist Resilience Program in Arts

Resumen Esta investigación, desarrollada durante dos años en el marco del Proyecto REMINE, Programme/or Research and Innovation Horizon 2020, demuestra que se puede aumentar la resiliencia a través del arte. Los estresores los seleccionamos del enfoque budista sobre la vida y la muerte, la urgencia de vivir plenamente y de reconfigurar nuestras prioridades diarias. Esto se ha vertido en un programa que ha combinado situaciones para confrontarse a ellas (vejez, enfermedad, muerte, impermanencia, etc.), utilizando el arte para vehicularlas. El concepto resiliente empleado se ha basado en las fortalezas y creatividad del individuo, y alienta un entorno colaborativo apropiado (ahondando en la autoestima, confianza, humor, concentración, habilidades relacionales, tolerancia, etc.). Hemos empleado el test IAAR© como instrumento de medida, validado por la comunidad científica, con test/retest en grupo propio y de control, en dos cursos académicos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada. El resultado ha sido alentador y los participantes han mostrado a partir de sus experiencias su capacidad de comunicar sentimientos a través del arte, y se han enriquecido en la transversalidad que les proporcionan los temas tratados en la ética budista, que ha sido en todo momento respetuosa con sus propias creencias personales.

Abstract This research, developed for two years under the project REMINE, Programme for Research and Innovation Horizon 2020, shows that you can build resilience through art. We have selected the stressors from the Buddhist approach to life and death, the urgency to live fully, and to reconfigure our daily priorities. This has been structured in a program that combines situations to confront them (aging, sickness, death, impermanence, etc.), using art as a tool to express them. The concept of resilience that we have used is based on the strengths and creativity of the individual and encourages an appropriate collaborative environment (delving into the sense of self-esteem, confidence, humor, concentration, relational skills, tolerance, etc.). We have used the IAAR© test as a measuring instrument validated by the scientific community, with test/retest for our group and for a control group, in two academic courses at the School of Fine Arts of the S University of Granada. The result has been encouraging and participants have shown, from their own experiences, their ability to communicate feelings through art, enriched in the crosscutting that provide the topics covered in Buddhist ethics, which has been in all moment respectful with their own personal beliefs.

Resumo Esta pesquisa, desenvolvida durante dois anos no marco do Projeto REMINE, Programme for Research and Innovation Horizon 2020, demonstra que é possível aumentar a resiliência através da arte. Os estressores foram selecionados do escopo budista sobre a vida e a morte, a urgência de viver plenamente e de reconfigurar nossas prioridades diárias. O anterior foi agregado a um programa que misturou situações (velhice, doença, morte, impermanencia, etc.) para enfrentá-las utilizando a arte. O conceito resiliente utilizado está baseado nas fortalezas e criatividade do indivíduo, e estimula um entorno colaborativo apropriado (aprofundando na autoestima, confiança, humor, concentração, habilidades relacionais, tolerância, etc.). Utilizamos o test IAAR como instrumento de medida, validado pela comunidade científica, com teste em grupo próprio e de controle, em dois aulas académicas da Faculdade de Belas Artes da Universidade de Granada. O resultado foi alentador e os participantes mostraram, a partir de suas experiências, sua capacidade de comunicar sentimentos através da arte. Eles se enriqueceram graças À transversalidade proporcionada nos temas abordados na ética budista, que foi respeitosa em todo momento com suas próprias crenças pessoais.

Unrealities of the Documentary Genre in Colombia

Resumen La relación entre el género documental y la realidad pareciera ser inevitable, incluso tautológica. El primero debe revelar la segunda, nos han dicho, aunque no por razones semánticas sino ideológicas. Las formas en que este vínculo ha sido desplazado han sido estudiadas por autores como Antonio Weinrichter. El presente escrito articula las tipologías que plantea dicho autor con documentales colombianos de las últimas dos décadas. Se analizan obras que han traspasado las fronteras de su género y que, a partir de su rebeldía contra el paradigma de lo real, han aprendido a develar la apariencia de las falsificaciones, a evidenciar la maleabilidad de las imágenes y a promover el entendimiento de las subjetividades.

Abstract The relationship between the documentary genre and reality seems to be inevitable, even tautological. We have been told that the former should reveal the latter, although not for semantic but ideological reasons. The ways in which this link has been displaced have been studied by authors like Antonio Weinrichter. This paper articulates the typologies proposed by this author for Colombian documentaries of the last two decades. We analyze works that have pushed the frontiers of their genre and that, through their defiance of the paradigm of the real, have learned to disclose the appearance of falsifications, to demonstrate the malleability of images, and to promote the understanding of subjectivities.

Resumo A relação entre o gênero documental e a realidade pareceria ser inevitável, até mesmo tautológica. O primeiro deve revelar a segunda, é sabido, ainda que não por razoes semânticas senão ideológicas. As formas nas que este vínculo está se quebrando foram estudadas por autores como Antonio Weinrichter. O presente escrito articula as tipologias que expõe o autor com documentais colombianos das últimas dois décadas. Analisam-se obras que traspassaram as fronteiras de seu gênero e que, a partir de sua rebeldia contra o paradigma do real, aprenderam como revelar a aparência das falsificações, como evidenciar a maleabilidade das imagens e promover o entendimento das subjetividades.

Cities of Peace. Art in Conflict Matters

Abstract Founded in 2005, the Cities of Peace Initiative, located in New York, has included young artist interns, scholars, and experts from more than 25 countries who, through collaborative work, have created nine Cities of Peace paintings that honor the history and culture of world cities that have suffered trauma. In 2015, Cities of Peace was invited to the 70th Commemoration of the Liberation of Auschwitz-Birkenau; also in 2015, Cities of Peace was invited by the former Prime Minister of Armenia, now Rector of the Russian-Armenian (Slavonic) University (RAU), to create the 10th Cities of Peace painting in Yerevan on the occasion of the 100th Anniversary of Armenian Genocide. This marks a substantial shift in program: working in the actual city with the citizens - students, artists, scholars, and museum directors - being honored. The rich success and vitality of the work in Auschwitz and in Yerevan attest to the power of art created in historic or current conflict zones. This paper explores the elements that contributed to the spirit and success of the Cities of Peace Initiative in these locations and establishes goals for its continuing growth, as an international peacebuilding modality, and in architecting a new cultural diplomacy through the transformational power of illuminated art.

Resumen Fundada en el año 2005, la Iniciativa Ciudades de Paz (Cities of Peace ®), con sede en Nueva York, ha incluido desde su inicio pasantías y residencias de jóvenes artistas, académicos y expertos venidos de más de 25 países, quienes -a través del trabajo colaborativo- han creado nueve Obras Pictóricas de Ciudades de Paz, que honran la historia, la memoria y la cultura de ciudades del mundo que han sufrido los traumas de la guerra. Así, en el año 2015, Ciudades de Paz fue invitado especial para la septuagésima conmemoración de la liberación del campo de concentración de Auschwitz-Birkenau; También en 2015, Ciudades de Paz recibió invitación del entonces primer ministro de Armenia, hoy rector de la Universidad Eslava Armenio-Rusa (RAU) para crear la décima obra pictórica de la iniciativa Ciudades de Paz, esta vez en Ereván, con motivo de la centésima conmemoración del Genocidio Armenio. Con esto se da un cambio de enfoque sustancial en el programa: en adelante se hace la obra en la ciudad misma que está siendo motivo del homenaje, trabajando junto con sus ciudadanos, estudiantes, artistas, académicos y directores de museos. El éxito rotundo y la vitalidad de las obras realizadas en Auschwitz y en Ereván atestiguan del poder del arte creado en zonas de conflicto histórico o actual. Este artículo explora los elementos que contribuyeron al espíritu y al éxito de la Iniciativa Ciudades de Paz en estos lugares, mientras establece nuevas metas para continuar su desarrollo y aumentar su poder de influencia como una modalidad de construcción internacional de paz, creando así el andamiaje y la estructura de una nueva forma de diplomacia cultural, articulada a través del poder transformador de un arte reflexivo y capaz de iluminar.

Resumo Fundada no ano de 2005, a iniciativa Cidades de Paz (Cities of Peace ®), com sede em Nova Iorque, tem incluído desde seu inicio estágios e residências de jovens artistas, acadêmicos e expertos vindos de mais de 25 países, quem -por meio do trabalho colaborativo- tem criado nove Obras Pictóricas de Cidades de Paz, que honram a historia, a memória e a cultura de cidades do mundo que tem sofrido os traumas da guerra. Assim, no ano 2015, Cidades de Paz foi convidado especial para a septuagésima comemoração da liberação do campo de concentração de Auschwitz-Birkenau; também em 2015, Cidades de Paz recebeu convite do Primeiro ministro (naquele momento) de Armênia, e hoje reitor da Universidade Eslava Armênio-Russa (RAU) para criar a décima obra pictórica da iniciativa Cidades em Paz, nesta vez em Ereván, com motivo da centésima comemoração do Genocídio Armênio. Com isto faz-se uma mudança de perspectiva substancial no programa: em diante se faz a obra na cidade mesma que esta sendo motivo de homenagem, trabalhando junto com seus cidadãos, estudantes, artistas, acadêmicos e diretores de museus. O sucesso absoluto e a vitalidade das obras realizadas em Auschwitz e em Ereván dão testemunha do poder da arte feita em lugares de conflito histórico ou atual. Este artigo explora os elementos que contribuíram ao espírito e ao sucesso da Iniciativa Cidades de Paz nestes lugares, enquanto se estabelecem novos alvos para continuar seu desenvolvimento e aumentar seu poder de influencia como uma modalidade de construção internacional de paz, criando assim a estrutura e a organização de uma nova forma de diplomacia cultural, articulada por meio do poder transformador de uma arte reflexiva e capaz de iluminar.

Formation of Empathy Through the Use of Artistic Image. The Case of Victims of Violence in Colombia

Resumen El siguiente texto presenta algunos resultados obtenidos en el desarrollo de la investigación doctoral "Imagen artística, aprendizaje emocional y memoria en el contexto escolar. El caso de las víctimas del conflicto armado en Colombia" que en la actualidad se adelanta en la Universidad Autónoma de Barcelona. El estudio pretende determinar la incidencia de una propuesta de innovación educativa en la enseñanza del conflicto armado. Va dirigida a estudiantes entre 10 a 13 años de edad que corresponde a sexto grado de educación primaria en colegios oficiales de Bogotá.

Abstract The following text presents some results obtained in the development of the doctoral research entitled "Artistic Image, emotional learning and memory in the school context. The case of the victims of the armed conflict in Colombia," which is currently being carried out at the Autonomous University of Barcelona. The study seeks to determine the incidence of a proposal of educational innovation in the teaching of armed conflict. It is aimed at students between 10 and 13 years of age, corresponding to 6th grade of primary education in official schools in the city of Bogota.

Resumo O seguinte texto apresenta alguns resultados obtidos no desenvolvimento da pesquisa de doutorado "Imagem artística, aprendizagem emocional e memória no contexto escolar. O caso das vítimas do conflito armado na Colômbia", em curso atualmente na Universidade Autônoma de Barcelona. O estudo visa determinar a incidência de uma proposta de inovação educativa no ensino do conflito armado, dirigida a estudantes entre 10 e 13 anos, correspondentes ao sexto ano de educação primária em colégios públicos de Bogotá.

Salvador Dali and Psychoanalysis: A Relationship Revisited

Resumen La relación entre el surrealismo y el psicoanálisis tiene su fundamento en el hecho de que tanto Salvador Dalí como André Breton se sintieron fuertemente influenciados por las nuevas comprensiones sobre el psiquismo humano, el arte y la creatividad que se abrían con los escritos de Sigmund Freud. A través de una revisión de literatura, se observa la influencia de la obra psicoanalítica en la vida y obra de Salvador Dalí y su relación con el movimiento psicoanalítico. Se revisan los encuentros en persona entre Dalí y Freud por medio de la correspondencia de la época y los efectos que tienen en cada uno de ellos. Se encontró que la relación de Dalí con el psicoanálisis se ubica en el plano teórico y personal. Incluso, en un intento de pensar más allá de Freud, Salvador Dalí teoriza lo que denomina el "método paranoico-crítico", que es una propuesta para poner la paranoia al servicio de la creatividad, idea que fue rescatada por el psicoanalista francés Jacques Lacan.

Abstract The relation between Surrealism and Psychoanalysis is based on the fact that both Salvador Dalí and André Breton felt strongly influenced by the new insights on the human psyche, art and creativity gained with the writings of Sigmund Freud. Through a review of literature, the influence of the psychoanalytic work on the life and work of Salvador Dalí is observed, as well as his relationship with the psychoanalytic movement. The face-to-face encounters between both individuals are reviewed through the correspondence of the time, as well as the effects that such encounters had in each of them. It was found that Dalí's relationship with psychoanalysis is both at a theoretical and personal level. Even so, in an attempt to think beyond Freud, Salvador Dalí theorizes what he called the "paranoid-critical method", which is a proposal to put paranoia at the service of creativity, an idea that was revived by French psychoanalyst Jacques Lacan.

Resumo A relação entre surrealismo e psicanálise fundamenta-se no fato de que tanto Salvador Dalí como André Breton sentiram-se fortemente influenciados pelas novas compreensões sobre o psiquismo humano, a arte e a criatividade que surgiam com os textos de Sigmund Freud. Através de uma revisão de literatura, observa-se a influência da obra psicanalítica na vida e obra de Salvador Dalí e sua relação com o movimento psicanalítico. Além disso, foram revisados os encontros em pessoa dos dois personagens por meio da correspondência da época e os efeitos que surgem em cada um deles. Encontrou-se que a relação de Dalí com a psicanálise está situada no plano teórico e pessoal. Mesmo em um intento de pesar além de Freud, Salvador Dalí teoriza aquilo que denomina o "método paranoico-crítico", que é uma proposta para pôr a paranoia ao serviço da criatividade, ideia que foi retomada pelo psicanalista francês Jacques Lacan.

Thoreau and the Mystification of Aesthetic Appreciation of Nature

Resumen Este trabajo hace un estudio del aprecio estético por la Naturaleza en Henry David Thoreau con miras a exponer sus consecuencias prácticas. Analiza así su acepción de la experiencia de la belleza salvaje, su distancia de la belleza del arte y su concepción de la Naturaleza como modelo moral.

Abstract This paper studies aesthetic appreciation of Nature in Henry David Thoreau, seeking to reveal its practical consequences. We analyze his sense of the experience of wild beauty, his distance from the beauty of art, and his conception of Nature as a moral model.

Resumo Este trabalho realiza um estudo do aprecio estético pela natureza segundo Henry David Thoreau, visando expor suas consequências práticas. Analisa-se sua acepção da experiência da beleza selvagem, sua distância da beleza da arte e sua concepção da Natureza como modelo moral.

Research in Artistic Education. Beyond Risks, the Search for Possibilities

Resumen Este artículo surge tras la búsqueda y la reflexión de metodologías de investigación en el ámbito educativo, específicamente desde la educación artística, y se encuentran tanto las dificultades propias de la tradición investigativa y quienes ostentan su saber, como las posibilidades, pluralidades de flexibilización, integración y polisemia de diferentes métodos de investigación respecto de la investigación cualitativa para el caso en mención. Apunta a reflexionar y comprender en torno de la tradición investigativa sus conexiones y posibles adaptaciones para el caso de la investigación pedagógica, a través de las artes plásticas y visuales. Inicialmente se traza un breve mapeo de la tradición investigativa en ciencias sociales, para dar lugar a la investigación educativa, distinguiéndola de la investigación pedagógica. Se centra la reflexión en torno a la investigación educativa y pedagógica artística, focalizándola en lo que tiene que ver con las artes plásticas y visuales para el caso de la escuela. Allí se plantea finalmente la investigación pedagógica a través de las artes visuales, y se le da apertura al debate, las nuevas miradas y voces hacia la redefinición y consolidación de lo que implicaría o supondría la investigación educativa y pedagógica artística en general, y cada lenguaje en particular.

Abstract This article is the result of a research and the reflection on research methodologies in the field of education and specifically from the perspective of arts education. Findings show the difficulties of the research tradition and those who flaunt their knowledge, and the possibilities, pluralities of flexibility, integration and polysemy of different research methods of qualitative research regarding the case in question. The paper aims to ponder and understand the tradition of research, its connections and possible adjustments in the case of educational research through the plastic and visual arts. First, a brief mapping of social science research tradition is made to show educational research, distinguishing it from educational research. The reflection focuses on educational research and/or artistic teaching, focusing on plastic and visual arts, in the case of school where, finally, educational research through the visual arts is proposed, paving the way to debate new perspectives and voices to the redefinition and consolidation of what would involve both educational and artistic teaching research, in genera,l and each language, in particular.

Resumo Este artigo nasce da busca e reflexão de metodologias de investigação no âmbito educativo, especificamente desde a educação artística. Encontram-se tanto as dificuldades próprias da tradição investigativa e quem ostenta seu saber, quanto das possibilidades, pluralidades de flexibilização, integração e polissemia de diferentes métodos relacionados com a investigação qualitativa para este caso. Visa compreender e refletir sobre a tradição investigativa, seus vínculos e possíveis adaptações para o caso da pesquisa pedagógica, através das artes plásticas e visuais. Inicialmente, é elaborado um breve mapeamento da tradição investigativa em Ciências Sociais para dar lugar à pesquisa educativa, distinguindo-a da pesquisa pedagógica. Centra-se na reflexão sobre a pesquisa educativa ou pedagógica artística, focalizando-a nas áreas relacionadas com as artes plásticas e visuais no caso da escola. Finalmente, expõe a reflexão através das artes visuais e abre o debate, os novos olhares e vozes para a redefinição e consolidação daquilo que implicaria ou suporia a pesquisa educativa e pedagógica artística em geral, e cada linguagem em particular.

Band Music in Colombia. Territories, Creation Senses and Features of the Arranger-Songwriter

Resumen Hoy día son notorias las evidencias que señalan el trayecto y potencialidad de la banda de música como territorio de expresión estética, acción educativa, manifestación regional y agenciamiento cultural en nuestro país. Múltiples mediaciones institucionales, económicas, políticas y humanas a lo largo de la historia nacional, incluyendo las relaciones con el escenario internacional, han moldeado, dinamizado, transformado y, sobretodo, posibilitado su arraigo y vigencia por más de 200 años como práctica sonora y cultural. Sin embargo, y aunque se reconoce que detrás de cada idea acá esbozada se movilizan en simultánea toda esa red de mediaciones, los tres apartados de este documento se centran en los rasgos y sentidos de la actividad creadora de compositores y arreglistas, quienes producen la música para banda. El primer apartado realiza un ágil recorrido por la relación entre repertorios con las transformaciones del rol de servicio de la banda en Colombia durante el siglo xix, hasta la incorporación de formas musicales regionales, lo que constituye un primer corpus de música de banda en Colombia. El segundo apartado se instala en los nuevos elementos y referentes creativos dados en la transformación de la práctica bandística nacional ante el surgimiento y desarrollo del modelo infantil-juvenil en los setenta del siglo pasado. Finalmente, el tercer apartado se centra en los tipos y líneas de la producción actual, dibujando intersecciones entre los distintos sentidos y rasgos del sujeto creador desde una perspectiva de identidades múltiples y promoción de otras-propias-nuevas estéticas.

Abstract Nowadays, the evidences that mark the path and potential of the music band as a territory of aesthetic expression, educational action, regional manifestation and cultural agency in our country are very well-known. Multiple institutional, economic, political and human mediations throughout the country's history, including relations with the international scene, have shaped, streamlined, transformed and, above all, made possible its establishment and validity for more than 200 years as a sound and cultural practice. Nevertheless, and although it is recognized that behind every idea outlined here, a whole network of mediations is simultaneously mobilized, the three sections of this document focus on the features and senses of the creative activity of composers and arrangers who produce band music. The first section makes a quick tour of the relationship between repertoires and the transformations of the service role of the band in Colombia during the 19th century, to the incorporation of regional musical forms, which constitutes a first corpus of band music in Colombia. The second section addresses the new elements and creative references given in the transformation of the national band practice before the emergence and development of the children-youth model in the 1970s. Finally, the third section focuses on the types and lines of current production, drawing intersections between the different senses and features of the creative subject from a perspective of multiple identities and the promotion of other-own-new aesthetics.

Resumo Hoje são notórias as evidências que assinalam o trajeto e potencialidade da banda de música como território de expressão estética, ação educativa, manifestação regional e agenciamento cultural na Colômbia. Múltiplas mediações institucionais, económicas, políticas e humanas ao longo da história colombiana, incluindo as relações com o cenário internacional, moldaram, dinamizaram, transformaram e, especialmente, possibilitaram seu enraizamento e vigência por mais de 200 anos como prática sonora e cultural. Contudo, e ainda que é sabido que detrás de cada ideia apresentada existe simultaneamente uma rede de mediações, as três seções deste documento centram-se nos rasgos e sentidos da atividade criadora de compositores e arranjadores que produzem a música para banda. A primeira seção realiza um ágil percorrido pela relação entre repertórios com as transformações do rol de serviço da banda na Colômbia durante o século XIX, até a incorporação de formas musicais regionais, o qual constitui um primeiro corpus de música de banda na Colômbia. A segunda seção apresenta novos elementos e referentes criativos presentes na transformação da prática dessa música ao nível nacional ante o surgimento e desenvolvimento do modelo infantil-juvenil nos anos setenta do século anterior. Finalmente, a terceira seção centra-se nos tipos e líneas da produção atual, desenhando interseções entre os diferentes sentidos e rasgos do sujeito criador desde uma perspectiva de identidades múltiplas e promoção de outras-próprias-novas estéticas.

Jairo Ojeda or Poetics Made into Song

Resumen Este escrito se propone valorar la obra de un juglar, de un creador de canciones infantiles, es importante por las múltiples dimensiones que el cantar a los niños y a las niñas encierra, tanto más en un país como la Colombia de hoy. Jairo Ojeda, sin duda, es un pionero, alguien que, con su guitarra y su imaginación, desbrozó caminos para atrapar mariposas, y, cual trashumante, recorrió el país para cantar con las comunidades negras e indígenas, para proponer acercamientos pedagógicos tocados de sentido y compromiso ético y estético. La palabra sensible vehicula sus búsquedas; una palabra que potencia las posibilidades de decir, desde ellas, cantarle al terruño, y contarle a los niños, en cada canción, el discurrir de la vida misma.

Abstract The purpose of this paper is to value the work of a troubadour, a creator of children's songs, which is important due to the multiple dimensions that singing to boys and girls encloses, all the more so in a country like Colombia today. Jairo Ojeda is undoubtedly a pioneer, someone who, with his guitar and his imagination, cleared paths for catching butterflies, and who, as a transhumant, traveled the country to sing with the black and indigenous communities to propose pedagogical approaches touched with meaning and an ethical and aesthetic commitment. The word sensitive carries its searches; it is a word that enhances the possibilities of saying, singing to the land and telling children about life itself through each song.

Resumo Este escrito visa valorar a obra de um menestrel, de um criador de canções infantis, importante pelas múltiplas dimensões que o cantar das crianças possui, ainda mais em um país como a Colômbia atual. Jairo Ojeda, sem dúvida, é um pioneiro; alguém que com seu violão e sua imaginação, desenhou caminhos para pegar borboletas e, como um transumante, percorreu o país afora para cantar com as comunidades afrodescendentes e indígenas, para propor aproximações pedagógicas com sentido e compromisso ético e estético. A palavra sensível veicula suas buscas, uma palavra que potencia as possibilidades de dizer desde elas, cantar à terra e contar ás crianças, em cada canção, o decorrer da vida.