Pensamiento palabra y obra

Waiting as an Attitude for an Ecology of the Image: A Reflection on the (Re)presentation and Memory of the Conflict in Colombia

Resumen El debate alrededor de la imagen con respecto a la violencia es de gran interés para la política, el periodismo, la historia y el arte en Colombia. En este artículo se revisa la imagen de la violencia partiendo del carácter inimaginable e irrepresentable del evento violento, en búsqueda de alternativas para hacer imágenes alrededor del conflicto armado colombiano que contribuyan a la reconstrucción de la memoria y la comprensión del conflicto. Se hace una revisión de las imágenes producidas y reproducidas alrededor del conflicto interno, y del régimen de imagen predominante en Colombia, valiéndose de autores como Deleuze, Guattari y Didi-Huberman, y se plantean las problemáticas de este régimen particular teniendo en cuenta a autores nacionales como Amada Pérez, Martha Herrera y Vladimir Olaya. Con el fin de encontrar alternativas particulares para hacer imágenes de la violencia fuera del régimen de imagen, se analizan dos fotografías de Jesús Abad Colorado desde Susan Sontag y la postura anti-reportaje propuesta por Juan Carlos Arias y Sergio Roncallo, y dos obras de Clemencia Echeverri desde Wajcman, Heidegger, Nancy y la teoría de los afectos de Rubén Yepes. Finalmente se toma la propuesta filosófica de la espera de Žižek y se aplica a la producción de imágenes de la violencia como una actitud que permita pensar la violencia y la imagen, con el fin de generar una ecología de la imagen que ayude a comprender lo inimaginable del conflicto colombiano.

Abstract The debate surrounding images in relation to violence is of great interest to politics, journalism, history, and art in Colombia. This article examines images of violence starting from the premise of the unimaginable and unrepresentable nature of violent events, in search of alternatives for creating images of the Colombian armed conflict that contribute to the reconstruction of memory and the understanding of the conflict. It reviews images produced and reproduced around the internal conflict and the dominant image regime in Colombia, drawing on theorists such as Deleuze, Guattari, and Didi-Huberman. It also explores the issues of this particular regime by incorporating national authors such as Amada Pérez, Martha Herrera, and Vladimir Olaya. In order to find specific alternatives for making images of violence outside the prevailing image regime, the article analyses two photographs by Jesús Abad Colorado through Susan Sontag and the anti-reportage stance proposed by Juan Carlos Arias and Sergio Roncallo, as well as two works by Clemencia Echeverri through the lenses of Wajcman, Heidegger, Nancy, and Rubén Yepes' theory of affects. Finally, Žižek's philosophical notion of waiting is applied to the production of images of violence as an attitude that enables reflection on violence and imagery, aiming to foster an ecology of the image that aids in understanding the unimaginable aspects of Colombia's conflict.

Resumo O debate em torno da imagem em relação à violência é de grande interesse para a política, o jornalismo, a história e a arte na Colômbia. Este artigo revisa a imagem da violência a partir do caráter inimaginável e irrepresentável do evento violento, em busca de alternativas para produzir imagens sobre o conflito armado colombiano que contribuam para a reconstrução da memória e a compreensão do conflito. Faz-se uma revisão das imagens produzidas e reproduzidas em torno do conflito interno e do regime de imagem predominante na Colômbia, com base em autores como Deleuze, Guattari e Didi-Huberman. Também se discutem as problemáticas desse regime específico a partir de autores nacionais como Amada Pérez, Martha Herrera e Vladimir Olaya. Com o objetivo de encontrar alternativas particulares para criar imagens da violência fora do regime dominante, são analisadas duas fotografias de Jesús Abad Colorado a partir de Susan Sontag e da postura antirreportagem proposta por Juan Carlos Arias e Sergio Roncallo, além de duas obras de Clemencia Echeverri com base em Wajcman, Heidegger, Nancy e a teoria dos afetos de Rubén Yepes. Por fim, a proposta filosófica da espera de Žižek é aplicada à produção de imagens da violência como uma atitude que permite pensar a violência e a imagem, com o objetivo de gerar uma ecologia da imagem que ajude a compreender o caráter inimaginável do conflito colombiano.

Agitations of the Gaze: The Repetition of Thought Tensions What Has Been Constituted

Resumen Este artículo presenta una investigación-creación que interroga la mirada en sus dimensiones histórica, sociocultural y subjetiva. En diálogo con el cuento de Borges (2013) "El jardín de los senderos que se bifurcan", la mirada es un laberinto en el que el observador y lo observado se entrelazan en un juego de influencias recíprocas. Al cuestionar la tradicional dicotomía entre sujeto y objeto, se reconoce que los objetos no son meros receptores pasivos, sino que participan en la experiencia de la mirada, desafiando nuestra comprensión de lo visible e invisible. Así en el núcleo de esta investigación late una inquietud esencial: ¿cómo son incluidos o excluidos del acto de mirar los objetos, los cuerpos y las experiencias? El recorrido metodológico se despliega en tres momentos. Ojo-lente, que examina los regímenes de visibilidad a través de la fotografía. A continuación, las Cartas de aparición que dan voz a lo invisibilizado mediante la escritura creativa y, finalmente, el momento de Plegado-desplegado, el cual tensiona la mirada en un proceso de composición performática. Los hallazgos se condensan en la latente "La existencia de la máscara entre la superficie y el vacío", donde se explora cómo la exhibición de máscaras en espacios museísticos transforma la relación entre visibilidad e identidad. Esta investigación concluye que la mirada no es un acto neutro, sino un campo de tensiones donde se configuran subjetividades y significados. Así, propone una mirada agitada y transgresora, capaz de interrogar sus propias estructuras y abrir caminos hacia nuevas formas de percepción.

Abstract This article presents a research-creation project that interrogates the gaze in its historical, sociocultural, and subjective dimensions. In dialogue with Borges' short story The Garden of Forking Paths (2013), the gaze is conceived as a labyrinth where observer and observed intertwine in a play of reciprocal influences. By questioning the traditional dichotomy between subject and object, it acknowledges that objects are not merely passive receivers, but active participants in the experience of looking, challenging our understanding of the visible and the invisible. At the core of this investigation lies a fundamental question: how are objects, bodies, and experiences included or excluded from the act of looking? The methodological journey unfolds in three stages: Eye-lens, which examines regimes of visibility through photography; Letters of Appearance, which give voice to the unseen through creative writing; and Folded-unfolded, a phase that tensions the gaze through a performative composition process. The findings are condensed in the latent concept "The existence of the mask between the surface and the void", where the exhibition of masks in museum spaces is explored as a transformation of the relationship between visibility and identity. This research concludes that the gaze is not a neutral act, but a field of tensions where subjectivities and meanings are shaped. It thus proposes an agitated and transgressive gaze, capable of interrogating its own structures and opening paths toward new forms of perception.

Resumo Este artigo apresenta uma pesquisa-criação que interroga o olhar em suas dimensões histórica, sociocultural e subjetiva. Em diálogo com o conto de Borges (2013) O jardim dos caminhos que se bifurcam, o olhar é concebido como um labirinto no qual o observador e o observado se entrelaçam em um jogo de influências recíprocas. Ao questionar a dicotomia tradicional entre sujeito e objeto, reconhece-se que os objetos não são meros receptores passivos, mas participam da experiência do olhar, desafiando nossa compreensão do visível e do invisível. No cerne desta investigação pulsa uma inquietação essencial: como são incluídos ou excluídos do ato de olhar os objetos, os corpos e as experiências? O percurso metodológico se desdobra em três momentos: Olho-lente, que examina os regimes de visibilidade por meio da fotografia; Cartas de aparição, que dão voz ao invisibilizado por meio da escrita criativa; e Dobramento-desdobramento, que tensiona o olhar em um processo de composição performática. Os achados se condensam no conceito latente "A existência da máscara entre a superfície e o vazio", no qual se explora como a exibição de máscaras em espaços museológicos transforma a relação entre visibilidade e identidade. Esta pesquisa conclui que o olhar não é um ato neutro, mas um campo de tensões onde se configuram subjetividades e significados. Assim, propõe-se um olhar agitado e transgressor, capaz de interrogar suas próprias estruturas e abrir caminhos para novas formas de percepção.

PDJD II: New Forms of Musical Notation Using Theatrical Stage Directions

Resumen El presente trabajo se sitúa desde las diversas notaciones musicales que han surgido, desde mediados del siglo XX, enfocándose especialmente en la partitura textual. En el caso de este proyecto de investigación - creación se toma la acotación teatral para la composición de la obra P.D.J.D. II, la cual se presenta como el resultado de la experimentación. Este trabajo pretende ser un ejemplo interdisciplinar de partitura musical, que usa una herramienta de la dramaturgia para detallar las acciones sonoras y las apuestas escénicas de una obra.

Abstract This work is situated within the various musical notations that have emerged since the mid-20th century, focusing particularly on the textual score. In the case of this research-creation project, theatrical stage directions are employed for the composition of the piece P.D.J.D. II, which is presented as the result of experimentation. This work aims to serve as an interdisciplinary example of a musical score, using a tool from dramaturgy to detail the sonic actions and staging elements of a composition.

Resumo Este trabalho se insere nas diversas notações musicais que surgiram desde meados do século XX, com foco especial na partitura textual. No caso deste projeto de pesquisacriação, utiliza-se a acotação teatral para a composição da obra P.D.J.D. II, que é apresentada como resultado da experimentação. Este trabalho pretende ser um exemplo interdisciplinar de partitura musical, que utiliza uma ferramenta da dramaturgia para detalhar as ações sonoras e as propostas cênicas de uma obra.

The Cultural Value in the Thought of David Throsby

Abstract David Throsby is undoubtedly the most renowned contemporary economist in the field of cultural economics. His scientific contributions to understanding the cultural world in its interrelation with economic science have earned him admiration and respect. This article interprets the thinking of David Throsby on two fundamental issues: cultural value and economic value. In fact, cultural value goes beyond the limits of economic value, without losing sight of the fact that both constitute a dual value system. David Throsby argues that economic value, based on market price in most cases, fails to capture the real dimension of cultural value. If value and price do not mean the same, and it is desirable for cultural value to be higher than market price, then the challenge for the cultural economy is to motivate cultural consumers to pay a price above cultural value to produce a favorable economic result. Cultural value encompasses different types of values, namely: aesthetic, spiritual, social, historical, symbolic, authenticity, and even emotional value that transcends the logic of functional rationality. Since the purpose of the cultural economy is to understand cultural phenomena from an economic perspective, it is necessary to advance the production of knowledge about how cultural preferences are formed and then focus efforts on developing the corresponding satisfiers. JEL Classification: A32, B31, Z11

Resumo David Throsby é, sem dúvida, o economista contemporâneo mais reconhecido no campo da economia cultural. Suas contribuições científicas sobre como entender o mundo cultural em sua inter-relação com a ciência econômica o tornam merecedor de admiração e respeito. Este artigo interpreta o pensamento de David Throsby em relação a duas questões fundamentais: o valor cultural e o valor econômico. De fato, o valor cultural ultrapassa os limites do valor econômico, sem perder de vista que ambos constituem um sistema dual de valor. David Throsby sustenta que o valor econômico, baseado no preço de mercado na maioria dos casos, não consegue captar a dimensão real do valor cultural. Se valor e preço não significam o mesmo, e o desejável é que o valor cultural seja superior ao preço de mercado, então o desafio da economia cultural é, portanto, motivar no comportamento do consumidor cultural sua disposição de pagar um preço acima do valor cultural com vistas a produzir um resultado econômico favorável. O valor cultural engloba diferentes tipos de valores, a saber: estético, espiritual, social, histórico, simbólico, de autenticidade; inclusive, o valor emotivo que ultrapassa a lógica da racionalidade funcional. Como o objetivo da economia cultural é compreender os fenômenos culturais a partir de uma abordagem econômica, é necessário avançar na produção de conhecimento sobre como se formam as preferências culturais, para depois concentrar os esforços no desenvolvimento dos correspondentes satisfatores.

Resumen David Throsby es, sin duda, el economista contemporáneo más reconocido en el campo de la economía cultural. Sus contribuciones científicas acerca de cómo entender el mundo cultural en su interrelación con la ciencia económica, lo hacen merecedor de admiración y de respeto. En este artículo se interpreta el pensamiento de David Throsby con respecto a dos cuestiones fundamentales: el valor cultural y el valor económico. De hecho, el valor cultural rebasa los límites del valor económico sin perder de vista que ambos constituyen un sistema dual de valor. David Throsby sostiene que el valor económico fundamentado en el precio de mercado en la mayoría de los casos no logra captar la dimensión real del valor cultural. Si valor y precio no significan lo mismo, y lo deseable es que el valor cultural sea superior al precio de mercado, entonces el reto de la economía cultural es, pues, motivar en la conducta del consumidor cultural su disposición a pagar un precio por encima del valor cultural con miras a producir un resultado económico favorable. El valor cultural encierra distintos tipos de valores, a saber: estético, espiritual, social, histórico, simbólico, de autenticidad; inclusive, el valor emotivo que desborda la lógica de la racionalidad funcional. Como el propósito de la economía cultural es entender los fenómenos culturales desde un enfoque económico, es necesario avanzar en la producción de conocimiento acerca de cómo se forman las preferencias culturales, para luego, enfocar los esfuerzos a desarrollar los correspondientes satisfactores.

Multimedia Learning and Art Education: Exercises Linked to the Production-creation Competency

Resumen Esta investigación aborda la relación entre el aprendizaje multimedia y educación artística en el marco del desarrollo y el fortalecimiento de la competencia producción-creación de los estudiantes del grado undécimo de la institución educativa San Lorenzo de Aburrá, ubicada en la ciudad de Medellín. La metodología adoptó un enfoque cualitativo con observación participante y entrevistas semiestructuradas, y se hizo análisis de material audiovisual. Los resultados muestran que las Tecnologías de la Comunicación y la Información (TIC), vistas desde la perspectiva de la teoría aprendizaje multimedia, tienen una incidencia positiva en los procesos de aprendizaje y en el desarrollo de las competencias del área, en particular, de la competencia producción-creación. En particular, se destaca la relevancia del principio multimedia y del diseño del material instruccional multimedia en la realización de ejercicios que involucraron la dimensión productiva del aprendizaje en educación artística y el papel del proceso del aprendizaje activo en el desempeño del estudiante en el rol de creador-productor.

Abstract This research addresses the relationship between multimedia learning and art education in the framework of the development and strengthening of the production-creation competence of the eleventh-grade students of the San Lorenzo de Aburrá educational institution, located in the city of Medellín. The methodology adopted a qualitative approach and included participant observation, semi-structured interviews, and analysis of audiovisual material. The results show that Communication and Information Technologies (ICT), seen from the perspective of the multimedia learning theory, have a positive impact on the learning processes and on the development of the subject's competences, in particular, of the production-creation one. The relevance of the multimedia principle and the design of multimedia instructional material in carrying out exercises that involved the productive dimension of learning in art education and the role of the active learning process in the student's performance in the role of creator-producer are highlighted.

Resumo Esta pesquisa aborda a relação entre a aprendizagem multimídia e a educação artística no contexto do desenvolvimento e fortalecimento da competência produção-criação dos alunos do décimo primeiro ano da instituição educativa San Lorenzo de Aburrá, localizada na cidade de Medellín. A metodologia adotou uma abordagem qualitativa e utilizou a observação participante, entrevistas semiestruturadas e a análise de material audiovisual. Os resultados mostram que as Tecnologias da Comunicação e da Informação (TIC), vistas a partir da perspectiva da teoria da aprendizagem multimídia, têm uma incidência positiva nos processos de aprendizagem e no desenvolvimento das competências da área, em particular, da competência produção-criação. Em particular, destaca-se a relevância do princípio multimídia e do design do material instrucional multimídia na realização de exercícios que envolveram a dimensão produtiva da aprendizagem em educação artística e o papel do processo da aprendizagem ativa no desempenho do aluno no papel de criador-produtor.

Artificial Intelligence and Posthuman Theater: A Conceptual Framework for Distributed Creative Agency

Resumen Este artículo propone un marco conceptual para comprender la agencia creativa distribuida en prácticas teatrales que incorporan inteligencia artificial. Partiendo de la insuficiencia de enfoques antropocéntricos tradicionales, se desarrolla una cartografía de teorías posthumanas para identificar conceptos con potencial explicativo para este fenómeno emergente. El marco integra tres conceptos nucleares: intra-acción creativa (reconceptualización ontológica de la creatividad como emergente de relaciones constitutivas), ensamblaje cognitivo (distribución de capacidades mentales entre agentes humanos y tecnológicos) y simpoiesis performativa (prácticas colaborativas de "hacer-con" entre humanos y algoritmos). Esta articulación conceptual trasciende tanto enfoques instrumentales que reducen la IA a meras herramientas como perspectivas que le atribuyen creatividad autónoma descontextualizada. El estudio discute implicaciones teóricas-superación de dicotomías entre sujetos creativos y objetos técnicos-y prácticas-herramientas reflexivas para artistas que exploran colaboraciones algorítmicas. Se concluye que comprender la agencia creativa distribuida implica reconocer que la creatividad misma se reconfigura cuando emerge de entrelazamientos complejos entre múltiples formas de agencia, invitando a imaginar formas posthumanas de creación teatral que exploren el potencial transformativo de los sistemas algorítmicos.

Abstract This article proposes a conceptual framework for understanding distributed creative agency in theatrical practices incorporating artificial intelligence. Starting from the inadequacy of traditional anthropocentric approaches, a cartography of posthuman theories is developed to identify concepts with explanatory potential for this emerging phenomenon. The framework integrates three core concepts: creative intra-action (ontological reconceptualization of creativity as emerging from constitutive relationships), cognitive assemblage (distribution of mental capacities among human and technological agents), and performative sympoiesis (collaborative practices of "making-with" between humans and algorithms). This conceptual articulation transcends both instrumental approaches that reduce AI to mere tools and perspectives that attribute decontextualized autonomous creativity to it. The study discusses theoretical implications-overcoming dichotomies between creative subjects and technical objects-and practical implications- reflective tools for artists exploring algorithmic collaborations. The conclusion suggests that understanding distributed creative agency implies recognizing that creativity itself is reconfigured when it emerges from complex entanglements between multiple forms of agency, inviting us to imagine posthuman forms of theatrical creation that explore the transformative potential of algorithmic systems.

Resumo Este artigo propõe um marco conceitual para compreender a agência criativa distribuída em práticas teatrais que incorporam inteligência artificial. Partindo da insuficiência das abordagens antropocêntricas tradicionais, desenvolve-se uma cartografia de teorias pós-humanas para identificar conceitos com potencial explicativo para este fenômeno emergente. O marco integra três conceitos nucleares: intra-ação criativa (reconceitualização ontológica da criatividade como emergente de relações constitutivas), montagem cognitiva (distribuição de capacidades mentais entre agentes humanos e tecnológicos) e simpoiese performativa (práticas colaborativas de "fazer-com" entre humanos e algoritmos). Esta articulação conceitual transcende tanto abordagens instrumentais que reduzem a IA a meras ferramentas quanto perspectivas que lhe atribuem criatividade autônoma descontextualizada. O estudo discute implicações teóricas-superação de dicotomias entre sujeitos criativos e objetos técnicos-e práticas-ferramentas reflexivas para artistas que exploram colaborações algorítmicas. Conclui-se que compreender a agência criativa distribuída implica reconhecer que a própria criatividade se reconfigura quando emerge de entrelaçamentos complexos entre múltiplas formas de agência, convidando a imaginar formas pós-humanas de criação teatral que explorem o potencial transformador dos sistemas algorítmicos.

Criteria for Evaluating the Literary Creation of Generative Artificial Intelligences

Resumen Este artículo postula un aparato crítico que explora cuatro grupos de criterios que permiten valorar el fenómeno de las creaciones literarias de las inteligencias artificiales generativas. El primero de los criterios incursiona en la semántica y en la verificación que se ha hecho de la poca o nula competencia que profesan de esta las IAG, lo que guía a problemas de sesgos, por ejemplo. El segundo criterio es el de la semiótica textual, que se postula como un verificador de la creatividad u originalidad de la trama de una narrativa. El tercer criterio es el de la crítica cultural, con el concepto de razón instrumental, que abre la exploración de las IAG desde una perspectiva de su uso como finalidad y no como medio, y que abre a observar otras problemáticas más generales en la reproducción del arte. El cuarto criterio es ético, y postula la necesidad de control y responsabilidad humana sobre las creaciones de las IAG.

Abstract This article proposes a critical framework that explores four groups of criteria for evaluating the phenomenon of literary creations by generative artificial intelligences. The first criterion delves into semantics and the verification of the limited or nonexistent competence that generative AIs demonstrate in this area, which leads to issues such as bias, for example. The second criterion is textual semiotics, which is proposed as a means to verify the creativity or originality of the narrative's plot. The third criterion is cultural criticism, with the concept of instrumental reason, which opens the exploration of generative AIs from the perspective of their use as an end rather than a means, and leads to the observation of more general issues in the reproduction of art. The fourth criterion is ethical, advocating for the necessity of human control and responsibility over the creations of generative AIs.

Resumo Este artigo propõe um aparato crítico que explora quatro grupos de critérios que permitem avalizar o fenômeno das criações literárias de Inteligências Artificiais Generativas (IAGs). O primeiro dos critérios aprofunda-se na semântica e na verificação que tem sido feita da pouca ou nenhuma competência que as IAGs professam neste sentido, o que leva a problemas de parcialidade, por exemplo. O segundo critério é o da semiótica textual, que é postulada como verificadora da criatividade ou originalidade do enredo de uma narrativa. O terceiro critério é o da crítica cultural, com o conceito de razão instrumental, que aborda a IAG a partir de uma perspectiva de sua utilização como fim e não como meio, e que abre à observação de outros problemas mais gerais na reprodução da arte. O quarto critério é ético e postula a necessidade de controle e responsabilidade humana sobre as criações dos IAGs.

Artistic Technocimarronaje (TCA): A Theoretical Proposal to Analyze Digital Resistance Art in Latin America

Resumen El artículo propone la formulación teórica del Tecnocimarronaje Artístico y su sistema categorial para el análisis del arte digital de resistencia en América Latina. Se inspira en el fenómeno del cimarronaje y erige al arte digital en un arma de resistencia descolonial. Aborda la práctica artística desde una perspectiva psicosocial situada en vínculo con el legado histórico latinoamericano. Para ello, extiende puentes geográficos y temporales que abarcan el Caribe (donde nace el vocablo "cimarrón") y otras latitudes del continente, las luchas de liberación (del campo militar al artístico), el colonialismo (del europeo al interno en la actualidad) y las tecnologías de explotación y de resistencia. Por tanto, enfatiza las formas de la censura y la autocensura; los discursos público y oculto; y las expresiones indirectas como, el disimulo y la simulación. Aplica la metodología cualitativa, el método de análisis de discurso y el enfoque teórico de arte de resistencia desde las teorías de los estudios culturales, visuales y de las técnicas culturales.

Abstract This article proposes the theoretical formulation of Artistic Technocimarronaje and its categorical system for analyzing digital resistance art in Latin America. It draws inspiration from the phenomenon of cimarronaje and positions digital art as a tool for decolonial resistance. The article addresses artistic practice from a psychosocial perspective, linking it to the historical legacy of Latin America. To this end, it extends geographical and temporal bridges that span the Caribbean (where the term "cimarrón" originated) and other regions of the continent, liberation struggles (from the military to the artistic), colonialism (from European to internal colonialism today), and technologies of exploitation and resistance. Therefore, it emphasizes forms of censorship and self-censorship, both public and hidden discourses, and indirect expressions such as disguise and simulation. The methodology used is qualitative, employing discourse analysis and the theoretical approach of resistance art from the perspectives of cultural studies, visual studies, and cultural techniques.

Resumo O artigo propõe a formulação teórica do Tecno-cimarronaje Artístico e seu sistema categorial para a análise da arte de resistência digital na América Latina. Inspirado no fenômeno do cimarronaje (quilombismo), ele estabelece a arte digital como uma arma de resistência decolonial. Aborda a prática artística a partir de uma perspectiva psicossocial vinculada ao legado histórico latino-americano. Para isso, estende pontes geográficas e temporais que abrangem o Caribe (onde nasceu a palavra "cimarrón") e outras latitudes do continente, as lutas de libertação (do campo militar ao artístico), o colonialismo (do europeu ao tipo interno na corrente) e tecnologias de exploração e resistência. Por isso, enfatiza as formas de censura e autocensura; discursos públicos e ocultos; e expressões indiretas como dissimulação e simulação. Aplica a metodologia qualitativa, o método de análise do discurso e a abordagem teórica da arte de resistência a partir das teorias dos estudos culturais, estudos visuais e técnicas culturais.

What to Delegate to the Machine? Challenges and Opportunities in the Educational Use of Generative Artificial Intelligence

Resumen El artículo explora el impacto de la inteligencia artificial generativa (IAG) en la educación, destacando tanto sus ventajas como sus limitaciones. A través de ejemplos prácticos, se ilustra cómo la IAG puede automatizar tareas administrativas, permitiendo a los docentes enfocarse en aspectos más creativos y estratégicos del proceso educativo. Sin embargo, se enfatiza que la IAG no puede reemplazar la experiencia humana en la toma de decisiones pedagógicas, ya que carece de la capacidad para comprender contextos sociales, emocionales y culturales. La investigación sugiere que la IAG debe ser vista como una herramienta complementaria que mejora la eficiencia en el aula, pero no como un sustituto de la interacción humana y la creatividad. Se concluye que el futuro educativo debe equilibrar la tecnología con la enseñanza humanizada, asegurando que la educación mantenga su esencia en la conexión y el juicio crítico.

Abstract This article explores the impact of generative artificial intelligence (gai) in education, highlighting both its advantages and limitations. Through practical examples, it illustrates how gai can automate administrative tasks, allowing teachers to focus on more creative and strategic aspects of the educational process. However, it is emphasised that gai cannot replace human expertise in pedagogical decision-making, as it lacks the ability to understand social, emotional, and cultural contexts. The research suggests that gai should be seen as a complementary tool that enhances efficiency in the classroom, but not as a substitute for human interaction and creativity. It concludes that the future of education must balance technology with humanised teaching, ensuring that education retains its essence in connection and critical judgement.

Resumo O artigo explora o impacto da inteligência artificial generativa (iag) na educação, destacando tanto suas vantagens quanto suas limitações. Por meio de exemplos práticos, ilustra-se como a iag pode automatizar tarefas administrativas, permitindo que os docentes se concentrem em aspectos mais criativos e estratégicos do processo educativo. No entanto, enfatiza-se que a iag não pode substituir a experiência humana na tomada de decisões pedagógicas, pois carece da capacidade de compreender contextos sociais, emocionais e culturais. A pesquisa sugere que a iag deve ser vista como uma ferramenta complementar que melhora a eficiência em sala de aula, mas não como um substituto da interação humana e da criatividade. Conclui-se que o futuro da educação deve equilibrar a tecnologia com o ensino humanizado, assegurando que a educação mantenha sua essência na conexão e no julgamento crítico.

Artificial Intelligence in Art, Design, and Education: Innovation, Regulation, and Ethical Challenges

Resumen La integración de la IA en el arte y la educación ofrece oportunidades y desafíos. Como socio creativo, la IA genera contenido original y automatiza tareas, lo que transforma el papel de artistas y diseñadores. En el ámbito educativo, personaliza el aprendizaje y facilita herramientas accesibles, aunque preocupa que acentúe la pérdida de pensamiento crítico y la brecha digital. Los debates éticos sobre autoría, plagio y sesgos, junto con el impacto en el empleo creativo, impulsan esfuerzos regulatorios globales. La Unión Europea lidera con la Ley de IA, seguida por iniciativas de la OMPI y la Cumbre de Acción en París, que buscan establecer marcos éticos y legales. Estados Unidos adopta un enfoque federal y estatal disperso, mientras que América Latina desarrolla estrategias nacionales, enfrentando desafíos como la brecha digital. México avanza con su Estrategia Nacional de IA y diversos proyectos de ley. En educación, la capacitación docente y la protección de datos son aspectos cruciales. Las normativas de la Unesco, la OCDE y la Unión Europea buscan un uso ético y equitativo de la IA. La colaboración entre humanos y máquinas, así como la regulación ética, son claves para un futuro híbrido en el que la IA amplifique las capacidades humanas sin sacrificar los valores fundamentales.

Abstract The integration of artificial intelligence (AI) into art and education presents both opportunities and challenges. As a creative partner, AI generates original content and automates tasks, transforming the roles of artists and designers. In the field of education, it personalizes learning and provides accessible tools, although concerns persist regarding the erosion of critical thinking and the deepening of the digital divide. Ethical debates surrounding authorship, plagiarism and algorithmic bias -along with the impact on creative employment- are driving global regulatory efforts. The EU leads the way with the AI Act, followed by initiatives from the World Intellectual Property Organization (WIPO) and the Paris Action Summit, all aiming to establish ethical and legal frameworks. The us follows a decentralized federal-state approach, while Latin America countries are developing national strategies amid persistent digital inequality. Mexico moves forward with its National AI Strategy and bills. In the education sphere, teacher training and data protection are crucial. Unesco, the OECD, and EU regulations seek ethical and equitable use of AI. Human-machine collaboration and ethical regulation are essential for a hybrid future in which AI amplifies human capabilities without sacrificing fundamental values.

Resumo A integração da inteligência artificial (IA) na arte e na educação apresenta tanto oportunidades quanto desafios. Como parceira criativa, a IA gera conteúdo original e automatiza tarefas, transformando os papéis de artistas e designers. No campo da educação, ela personaliza o aprendizado e oferece ferramentas acessíveis, embora persistam preocupações sobre a erosão do pensamento crítico e o aprofundamento da divisão digital. Os debates éticos sobre autoria, plágio e viés algorítmico - juntamente com o impacto no emprego criativo - estão impulsionando esforços globais de regulamentação. A União Europeia lidera com o Ato de IA, seguida por iniciativas da Organização Mundial da Propriedade Intelectual (OMPI) e da Cúpula de Ação de Paris, todas visando estabelecer estruturas éticas e legais. Os EUA seguem uma abordagem federal descentralizada, enquanto os países da América Latina estão desenvolvendo estratégias nacionais em meio à persistente desigualdade digital. O México avança com sua Estratégia Nacional de IA e projetos de lei. Na esfera educacional, a formação de professores e a proteção de dados são cruciais. A Unesco, a OCDE e as regulamentações da UE buscam o uso ético e equitativo da IA. A colaboração entre humanos e máquinas e a regulamentação ética são essenciais para um futuro híbrido no qual a IA amplifica as capacidades humanas sem sacrificar valores fundamentais.